Von New York nach Los Angeles, 6 Nicht

Auf der Suche nach den interessantesten Einzelausstellungen in Amerika jeden Monat reiste die Galerie von New York, wo die George Adams Gallery Robert Arnesons einflussreiche Keramik- und Bronze-Selbstporträts präsentiert und Elise Ansel in der Miles McEnery Gallery gestische Abstraktionen mit Verweisen auf Gemälde alter Meister zeigt, nach Los Angeles Angeles, wo Hank Willis Thomas sein Debüt in der Pace Gallery gibt, mit Referenzbildern, die sich vor unseren Augen verändern, wenn wir sie mit einem Smartphone betrachten. Dies sind die Shows, die man im August gesehen haben muss.

Installationsansicht von Daniel Pitíns „The Time Machine“ in Nicodim, New York Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Nicodim

Daniel Pitín, Deers,, 2023 Foto: Mit freundlicher Genehmigung von Nicodim

Der 1977 in Prag geborene Maler Daniel Pitín, wo er noch heute lebt und arbeitet, gibt sein New Yorker Einzelausstellungsdebüt mit einer neuen Gemäldeserie, die in einer spannenden Ausstellung mit dem passenden Titel „The Time Machine“ die Grenze zwischen Figuration und Abstraktion verwischt. Der tschechische Künstler, der dafür bekannt ist, fiktive Figuren aus Filmen wie „Taxi Driver“, „Goldfinger“ und „Rear Window“ zu erschaffen, die in malerischen Bereichen angesiedelt sind, die auf die Ästhetik modernistischer Kunst verweisen, kreiert mit den vierzehn dystopischen Leinwänden, die über die Galerie verteilt sind, seine eigene filmähnliche Erzählung zwei Räume.

Pitín dekonstruiert Archivfotos, Filmszenen und architektonische Innenräume und schafft Mixed-Media-Gemälde, in denen mit Zeitungsausschnitten collagierte Pappkartons Köpfe und andere Körperteile von Menschen und Tieren ersetzen. Figuren werden zu leeren Gefäßen, die durch seltsame Landschaften und geheimnisvolle städtische Innenräume fahren, die mit Pinselstrichen wiedergegeben werden, die in einem Moment den Realismus und im nächsten eine sich verschlechternde Realität einfangen. Gemälde wie Deers, die eine Reihe von Tieren im konstruktivistischen Stil im Wald zeigen, und Detective, die die kastenförmige Ähnlichkeit eines Mannes an einem Schreibtisch zeigen, zeichnen eine traumhafte Vision einer Welt, die in einem digitalen Glitch eingefroren ist.

Bis 12. August

Installationsansicht von Robert Arnesons „Astonishing Possibilities for Self-Expression“ in der George Adams Gallery, New York Foto: Mit freundlicher Genehmigung des Estate of Robert Arneson und der George Adams Gallery

Robert Arneson, Balderdash-dash, 1978 Foto: Mit freundlicher Genehmigung der George Adams Gallery

Robert Arneson, ein Karikaturist, der zum Keramiker wurde, war eines der führenden Mitglieder der San Francisco Bay Area Funk Art-Bewegung der 1960er Jahre. Als Zigarre rauchender Künstler und Professor prägte er nachhaltig die Entwicklung der zeitgenössischen Keramik. Der realistische Bildhauer galt lange Zeit nur als Kunsthandwerk und trug dazu bei, dass das Medium als Kunst akzeptiert wurde. Seine markante Keramikbüste „Portrait of an Artist Losing His Marbles“ befindet sich in der Sammlung des New Yorker Museum of Arts and Design, während andere bedeutende Werke des Künstlers im Whitney Museum, Hirschhorn Museum and Sculpture Garden und SFMOMA zu finden sind.

Seine Ausstellung „Astonishing Possibilities for Self-Expression“ in der Galerie bietet einen tiefen Einblick in seine wunderbar witzige Selbstporträtierung durch verschiedene Medien. Tuschezeichnungen aus dem Jahr 1964 zeigen den damals 30-jährigen Künstler, wie er sein Spiegelbild auf Papier festhält, während Bleistift-, Pastell- und Mixed-Media-Renderings aus den 1980er Jahren einen alternden Rebellen darstellen, der immer noch den Kampf kämpft. Aber es sind Arnesons Selbstporträts aus Keramik und Bronze – darunter „Balderdash-dash“ aus dem Jahr 1978 mit seinem monochromatischen braunen Kopf und erschreckend realistischen Augen und Mund sowie die kandidierende Wange aus dem Jahr 1992, auf der er in zwei Versionen seines Kopfes Auge in Auge zu sehen ist. Das Jahr, in dem er starb, zeigt, wie der scherzhafte Künstler Humor einsetzte, um Sie in die bemerkenswerte Handwerkskunst seiner wunderbar ausdrucksstarken Kunst einzuführen.

Bis 11. August

Installationsansicht von Elise Ansels „Sea Change“ in der Miles McEnery Gallery, New York Foto: Mit freundlicher Genehmigung der Miles McEnery Gallery

Elise Ansel ist vor allem für ihre gestischen Transformationen von Gemälden alter Meister berühmter männlicher Künstler bekannt, die Frauen entweder auf idealisierte oder sexuell objektivierte Weise dargestellt haben. Sie nutzt die Bildsprache der Abstraktion, um einen gleichwertigen Standpunkt mit einer feministischen Note zu vermitteln . Nachdem die amerikanische Künstlerin ihre improvisierten Interpretationen verführerischer Werke so verehrter Meister wie Rembrandt, Rubens und Vermeer in Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa ausgestellt hat, veranstaltet sie nun ihre erste Einzelausstellung, die ihre 35. Einzelausstellung weltweit ist, mit einer neue Serie von Abstraktionen in der Galerie.

In der Ausstellung Sea Change schafft Ansel malerische Gespräche mit klassischen Gemälden von Bellini, Tiepolo, Tizian, Veronese und anderen berühmten alten Meistern. Sie beginnt mit kleinen Studien und erneuert die verehrten Werke mehrfach, die zum Ausgangspunkt für ihre größeren, ausdrucksstarken Gemälde werden, die die Figuren und das Drama durch kühne, samtige Pinselführung einfangen. Sie verwandelt Paolo Veroneses „Allegorie der Tugend und des Lasters“ in zwei unterschiedliche Gemälde voller Farbstreifen, die auf abstrakte Weise die Theatralik des Meisterwerks von 1565 heraufbeschwören, während sie das Drehbuch zu Tizians „Christus und die Ehebrecherin“ von 1511 umdreht, indem sie das Recht der verachteten Frau auf Vergnügen durch a hervorhebt Eine Flut lebendiger Pinselstriche in ihrem fröhlichen Gemälde „Fire Fangled Feathers“.

Bis 31. August

Suchitra Mattai, The Unveiling, 2023. Foto: Heather Rasmussen, mit freundlicher Genehmigung von Suchitra Mattai und Robert Projects

Installationsansicht von Suchitra Mattais „In the Abwesenheit von Macht, In Gegenwart von Liebe“ bei Roberts Projects, Los Angeles Foto: Robert Wedemeyer, mit freundlicher Genehmigung von Suchitra Mattai und Roberts Projects

Suchitra Mattai wurde 1973 in Guyana geboren, studierte an der University of Pennsylvania in Philadelphia und lebt und arbeitet derzeit in Los Angeles. Sie ist eine Malerin, Bildhauerin und Installationskünstlerin indokaribischer Abstammung. Als Maximalist, der farbenfrohe Assemblagen aus gefundenen Objekten konstruiert, nutzt der überaus talentierte Künstler handwerkliche Prozesse und Materialien, um auf poetische Weise visuelle Geschichten zu erzählen, die sich mit dem Erbe des Kolonialismus und den Beziehungen zwischen Kultur und Geschlecht befassen.

Ihr erster Solo-Auftritt mit der Galerie: „In der Abwesenheit von Macht. „In the present of love“ ist zugleich ihre bislang größte und umfangreichste Einzelausstellung. Mit der Ausstellung von Mixed-Media-Gemälden, aus traditionellen Saris gewebten Wandteppichen und Soft-Sculpture-Installationen verwandelt Mattai den White-Box-Raum der riesigen Galerie in etwas, das sie als „braune Rekultivierung“ bezeichnet, wo sie Originalbilder überarbeitet hat, um neue Erzählungen mit braunen Heldinnen zu vermitteln Rettung einer patriarchalischen Vergangenheit. In Kunstwerken wie der Enthüllung setzt sie geschickt das erste Tanzkostüm ihrer Schwester, Stickereien, Nadelspitzen, einen Sari und ein architektonisches Fragment zusammen, um das Unrecht zu korrigieren und zu zeigen, wie Frauen den Weg zu einer besseren Zukunft geebnet haben.

Bis 26. August

Installationsansicht von „Beyond Measure“ von Thomas J Price bei Hauser & Wirth, Los Angeles Foto: Keith Lubow, mit freundlicher Genehmigung von Thomas J Price und Hauser & Wirth

Seitdem er 2001 mit seiner Performance „Licked“ für Furore sorgte, bei der der Künstler über einen Zeitraum von drei Tagen die Wände einer Galerie ableckte, hat Thomas J. Price seine Skulpturen, Filme und Fotografien hauptsächlich in Projekt- und institutionellen Räumen ausgestellt. Der britische Künstler hatte 2016 eine Einzelausstellung in der National Portrait Gallery in London und hat derzeit eine im Victoria and Albert Museum, aber jetzt, da er von Hauser & Wirth vertreten wird, ist sein Werk in eine globalere Diskussion geraten, wie dies zeigt Show mit dem Titel „Beyond Measure“ im Zentrum von LA des Kraftpakets.

Price ist vor allem für seine figurativen Skulpturen alltäglicher Menschen bekannt, die aus Bronze, Aluminium und synthetischem Polymer gegossen sind. Inspiriert durch eine Verschmelzung von Quellen, darunter beobachtete Personen, Medienstereotypen und historische Statuen, handelt es sich um fiktive Versionen gewöhnlicher Menschen, die der Künstler als psychologische Porträts des Betrachters betrachtet. Die neuen Bronzen, die zum ersten Mal eine Gruppe großformatiger figurativer Skulpturen an einem Ort präsentieren, sind überlebensgroß und zwischen 9 und 12 Fuß hoch. Sie wurden teilweise mit 3D-Scans aus einer offenen Ausschreibung in LA erstellt. Seine lebensechten, riesigen Figuren werden in der Ausstellung durch eine neue Serie rosafarbener Marmorköpfe ergänzt, die digital geschnitzt und von Hand bearbeitet wurden, um das Abbild realer Teilnehmer mit Merkmalen aus der sich ständig weiterentwickelnden Bilddatenbank des Künstlers einzufangen.

Bis 20. August

Installationsansicht von Hank Willis Thomas‘ „I've Known Rivers“ in der Pace Gallery, Los Angeles Foto: Flying Studio, mit freundlicher Genehmigung der Pace Gallery

Als Konzeptkünstler, der in verschiedenen Medien arbeitet, stellt Hank Willis Thomas seine Kunst seit 2003, noch bevor er die Schule abgeschlossen hat, in Einzelausstellungen in Galerien aus. Er wird von internationalen Galerien vertreten und erlangte Anfang des Jahres landesweite Bekanntheit durch „The Embrace“, ein monumentales Denkmal, das dauerhaft im Boston Common aufgestellt wurde. Inspiriert von einem Archivfoto von Dr. Martin Luther King Jr. und seiner Frau Coretta Scott King fängt die elegante Bronzeskulptur ihre freudige Umarmung ein, nachdem er 1964 den Friedensnobelpreis erhalten hatte.

Seine erste Ausstellung mit der Galerie, „I've Known Rivers“ – der Titel leitet sich von einem Gedicht von Langston Hughes ab – präsentiert zehn neue, großformatige retroreflektierende Kunstwerke, die je nach Beleuchtung und Perspektive des Betrachters latente Bilder offenbaren. Sie präsentieren zwei unterschiedliche Bilder, die einerseits durch Umgebungslicht und andererseits durch Blitzlicht sichtbar werden. Sie werden mit einer Kombination aus Siebdruck und UV-bedrucktem retroreflektierendem Vinyl erstellt. Die 2D-Arbeiten des ausgebildeten Fotografen beziehen sich auf die Kunstgeschichte und beziehen sich auf die modernistischen Werke von Romare Bearden, Aaron Douglas, Roy Lichtenstein, Henri Matisse und Malick Sidibé. Unser Favorit, ich hörte den Gesang des Mississippi, verwendet Sidibés berühmte Schwarz-Weiß-Aufnahme eines tanzenden afrikanischen Paares aus dem Jahr 1963 als Ausgangsbild, komponiert mit zahlreichen kleineren Bildern, die sich auf den europäischen Kolonialismus und die amerikanische Bürgerrechtsbewegung beziehen, was ein Beweis dafür ist wie weit wir gekommen sind und wie weit die Gesellschaft noch gehen muss.

Bis 26. August

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